The Representation of Visual Illusion

Uniform is an important part of social life where communal ideas are highly valued, such as in Indonesia. In cultural studies, the uniform has become part of a social symbol, exceeding its functional value as clothing. How the uniform is socially signified, one may observe the borders between individual/communal, I/we that is continuously intersecting and dissolving. The art project that Jim Allen Abel has been engaged in the past two years, explores his interest in how the idea of uniform is often used to obscure the existence of individuals and their specific roles in constituting a bigger entity.

Jimbo, that is how Jim Allen Abel is nicknamed, based his art project on his personal background and conversations with his father who was a teacher. As a civil servant, teachers also dissolve their individuality and merge with a greater entity, namely the ‘civil servants corps’ with their distinctive uniform. The conversation with his late father about how the figure of a teacher, especially a history teacher like his father, had given major influences in shaping the social perspectives of students, this brought Jimbo an awareness that reliance to initiatives of individuals who are bounded to a certain entity would not take us very far. Uniform as a representation of teacher, for instance, is required to build a social system that will support the realization of their objectives. At this point, individuality has to deal with bureaucratic procedures— the person often overshadowed by the social system. From this rather simple outset, Jimbo developed his idea by collecting various types of uniforms whose associations have been widely perceived in public.  He selects some of the uniforms to highlight certain social groups deemed important in the history of the formation of modern Indonesian society and to represent distinct social groups that are more recognizable to an Indonesian audience.

One of the most interesting historical accounts on the social development of uniform is written by Hank Schudlt Nordholt (The Nederland). His book Outward Appearances describes how the idea of the uniform was introduced as a part of the modern social institution, particularly during the early era of colonialism and the early formation of national identity, where the uniform became a crucial visual symbol.

In Jimbo’s works, we can at least discern seven social groups represented in the self-portrait series in the style of a passport photo. In this series, Jimbo covers the models’ heads and faces with certain objects, drawing the focus of attention to the uniforms, not to the people wearing them. Under the aegis of a uniform, the self being portrayed is overshadowed by the social collective symbolized by the uniform. By covering the heads in the photographs, Jimbo is exposing the subject’s individuality and personality to increasing obscurity within their association with the social meanings of uniform.

In the second photo series, Jimbo takes a step further away from the static concept of self-portrait to action photography. He composes different backgrounds and individual narratives for the subject, enacted by himself, to compliantly respond to a given image of reality. Jimbo is trying to juxtapose the social meaning and association commonly attached to the uniform with something entirely new and different. There is a desire to deconstruct the already established meaning associations and to offer new ones free from existing structures, which require and encourage the audience to construct and form their own meanings. The actions that Jimbo performed while wearing this uniform can be very different from what people may recall most about the profession identified with the uniform.

Jimbo represents the deconstructive actions, among others, by displacing the police, whose image are commonly associated to traffic situations, to the  beach, carrying axes and posing acrobatic moves like circus players. Similar actions are also played out by military persona in other images. Just like the self-portrait series, the model’s heads and faces are veiled with foreign objects. By removing the background from its familiar setting, Jimbo tinkers with the idea of displacement in his work.  In contemporary photography, displacement as a tactic is often tied to the tendency to emphasize the unusual side of reality, or to accentuate the unfamiliar by manipulating reality to deconstruct established meaning. The use of displacement in Jimbo’s works, by moving from self-portraiture to performative photography, also suggests a non-static impression where we may find many in-between spaces and new possibilities from the visual realities presented.

By moving the location, unconsciously the association of meaning is also shifted. In Jimbo’s works, the shift of uniform’s visual meaning also reflects how association does not have absolute truth. Therefore, the attributes and images attached to the individual wearing a uniform is basically a false image, which refers to the quality or performance of professional or social group rather than the image of one’s individuality. Of course, since it is a part of a social institution, attributes of this kind easily shift its meaning.

In the last series of his works, Jimbo creates an installation that points out something that is specifically found in Yogyakarta. Aside from the phenomenon of uniform as a visual symbol, Jimbo perceives that in Yogyakarta, rear-view mirror is an important commodity in the ‘street’ industry of Yogyakarta. Jimbo presents this installation as a part of his work which is indirectly connected to the issue of uniform and provokes us into a ‘way of seeing’. As a city where motorcycle becomes the dominant vehicle it is relatively easy to find a kiosk selling various types of rear-view mirrors along the street. For Jimbo, the rear-view mirror reminds him to always look back and believe the representation of visual illusion. At the same time,  despite its functionality, the rear-view mirrors is often placed simply as trivial accessories. Jimbo plays around with the way we ‘look back’.

What is interesting about the installation titled ‘The Army of Me’ is he gathered a 100 people to be part of this project. He went to public spaces such as train stations, university campuses, and the people he met on the street, he then asked them to wear the military uniform and pose with a gun toy. His statement about this installation is, ‘I want to show people how easy it is to build their own armies, as you can arm them with their own gun and ask them to wear a uniform.’ Each of the one hundred people being photographed were on their own motorcycle, and posed their personal self statements. This proving that the meaning of these military symbols are still dominated by the collective memory of repressive regime from the past.

This process was not easy, gathering 100 people since many of them still think that playing with national sacred symbols, such as a military uniforms, is considered something dangerous. Some people even connect this idea to images of terrorism.

Jim Allen Abel graduated a photography major in the Faculty of Arts of Record Media, Indonesia Institute of Arts Yogyakarta. He is an active member of MES 56 Photography Collective and runs one of its program, Kantor Berita MES 56 which focuses on expanding information networks and knowledge on photography by covering the latest discourses in photographic studies and practices through regular discussions. The uniform project is one of his individual projects that departs from the collective vision of seeing photography as something that is not only representing reality but is also an attempt to continuously tinker with, manipulate, and problematize  the idea of visual reality. In this context, photography becomes a means to perceive everyday life through a critical and analytical lense.

Jim Allen Abel was given opportunity to take part a two-month residency in Korea, where he was involved in a project that ‘forced’ him to work interactively with a public audience. He presented the idea of the Museum of Everyday Life, where he invited people living in the surrounding neighborhood where he was doing his residency to share photos of personal memories and exhibit them as part of the museums collection. This project introduced Jimbo to wider possibilities of becoming involved in more community-based photographic projects in the future. At the same time, during his time in Korea, Jimbo also learned about the development of contemporary art in Korea, as one of the major players in Asia today. The development and the interweaving relations between visual arts and photography seemed to productively inspire Jimbo’s creative process.

Although the uniform series has not developed into an interactive art project, it is carrying the spirit and commitment to explore and maintain certain ideas for a longer period of time while observing its potential development. Jimbo has demonstrated a strong passion for utilizing photography as a learning avenue for understanding social phenomenas and looking for ways to represent them through  imaginative and aesthetic concepts.

Alia Swastika

[Show as slideshow]

[View with PicLens]

Mempercayai Representasi dari Ilusi Visual

Seragam merupakan bagian penting dalam kehidupan masyarakat dengan nilai komunalitas yang tinggi seperti di Indonesia. Dalam kajian kebudayaan, seragam telah menjadi bagian dari simbol sosial, lebih dari nilai fungsinya sebagai pakaian. Pada makna sosial atas seragam, kita bisa melihat tarikan tentang konsep individu/komunal, aku/kami, yang saling beririsan dan bertabrakan. Projek seni yang dikerjakan Jim Allen Abel semenjak dua tahun terakhir ini mempresentasikan pengamatannya tentang bagaimana gagasan atas seragam seringkali digunakan untuk mengaburkan eksistensi individu yang memiliki peran khusus dalam sebuah entitas.

Jimbo, panggilan akrab Jim Allen Abel, mengawali proyek seninya dengan latar belakang pengalaman personal dari percakapannya dengan sang ayah yang merupakan seorang guru. Sebagai pegawai negeri sipil, guru juga meleburkan eksistensi individualnya dan menjadi bagian besar dari entitas ‘pegawai negeri’ dengan seragamnya yang khas. Percakapan dengan ayah tentang bagaimana sosok seorang guru, apalagi sang ayah adalah guru sejarah, memberi pengaruh besar dalam pembentukan perspektif sosial seorang siswa, mengantar Jimbo pada kesadaran bahwa mengandalkan inisiatif personal dari seorang individu yang terikat pada entitas tertentu tidaklah cukup. Seragam, representasi dari entitas guru, misalnya, lebih jauh lagi, perlu membangun sebuah sistem sosial untuk mencapai tujuan-tujuannya. Pada titik inilah, individualitas berhadapan dengan prosedur dan birokrasi, sehingga yang personal acap terkubur oleh sistem sosial. Dari awalan yang sederhana itu, Jimbo mengembangkan gagasannya dengan mengumpulkan berbagai jenis seragam yang selama ini sudah sangat diakrabi asosiasinya oleh masyarakat Indonesia. Ia memilih beberapa di antaranya terutama untuk merujuk pada kelompok sosial yang penting dalam sejarah pembentukan masyarakat Indonesia modern dan juga merepresentasikan kelompok sosial yang khas dan dengan mudah dikenali oleh audiens di Indonesia.

Salah satu tulisan mengenai sejarah atau perkembangan sosial seragam di Indonesia, yang paling menarik disusun oleh Hank Schudlt Nordholt (Belanda). Bukunya Outward Appareances menyajikan bagaimana gagasan tentang seragam diperkenalkan sebagai pengenalan seragam sebagai bagian dari institusi sosial modern, terutama pada masa awal kolonialisme dan masa-masa awal pembentukan identitas nasional, dimana seragam menjadi simbol visual yang penting.

Seragam, juga pakaian secara umum, tidak hanya dapat menyimbolkan status sosial seseorang, tetapi juga secara simbolis menunjukkan pola relasi kekuasaan. Nordholt kemudian juga menunjukkan bahwa dalam kaitannya dengan historiografi modernisme di Indonesia, seragam juga menjadi salah satu yang menandai masuknya pengaruh kolonialisme dalam struktur sosial masyarakat Indonesia, terutama untuk bernegosiasi dengan kekuasaan asing. Pada masa-masa selanjutnya, Soekarno melihat proyek seragam sebagai penegasan era ‘Indonesia Baru’, dengan struktur masyarakat yang baru. Kemudian, setelahnya, terutama pada saat kemakmuran ekonomi menunjukkan kemajuan yang pesat di tahun 1980an, yakni pada periode Orde Baru, keberadaan seragam kemudian menjadi bagian dari projek membangun identitas nasional. Pada periode-periode tahun 1970an inilah, mengerucut pertarungan kuasa yang disimbolkan dengan seragam yang melibatkan kelompok-kelompok agamawan (terutama kelompok Islam), aparatur negara, dan kaum nasionalis.

Pada seri karya Jimbo, setidaknya kita bisa mengenali tujuh kelompok sosial yang terepresentasikan dari seri potret diri dengan gaya seperti pas foto. Pada seri foto-foto, Jimbo menutup kepala dan wajahnya dengan benda-benda tertentu, sehingga yang menjadi fokus perhatian utama pada potret-potret itu adalah seragam yang dikenakan olehnya, bukan lagi dirinya. Pada konsep tentang seragam, potret diri semacam ini membuat siapa yang mengenakan menjadi kurang penting dibandingkan dengan kelompok sosial yang dirujuk dengan simbol seragam tersebut. Dengan menutup kepala pada sosok di foto, Jimbo membuat individu dan personalitasnya menjadi semakin kabur dalam asosiasi makna sosial tentang seragam. Konfrontasi yang lebih langsung berkaitan dengan ‘saya’ dan ‘mereka’, ‘diri’ dan ‘kolektif’, pada karya-karya Jimbo dibenturkan dalam cara yang frontal sekaligus penuh ironi, sehingga diri seolah dihilangkan, dengan menutup wajah, tetapi dikuatkan dengan gagasan tentang potret diri itu sendiri.

Pada seri foto yang kedua, Jimbo mengambil langkah lebih jauh dari sekadar potret diri. Dari potret diri yang statis, Jimbo membawa keluar gagasannya ke dalam pendekatan fotografi tindakan. Ia menyusun latar belakang dan narasi tertentu dari subjeknya, yang adalah dirinya sendiri, untuk bertindak sesuai dengan gambaran realitas yang telah dipastikan sebelumnya. Jimbo ingin mempertentangkan makna dan asosiasi sosial yang biasanya melekat pada atribut seragam tersebut dengan sesuatu yang sama sekali baru dan berbeda. Ada keinginan untuk mendekonstruksi asosiasi makna yang kadung mapan dan menawarkan pemaknaan baru yang lepas dari apa yang sudah ada, yang sangat membutuhkan dan mendorong penonton untuk membangun dan membentuk pemaknaannya sendiri. Aksi-aksi yang dilakukan Jimbo ketika mengenakan seragam ini bisa jadi sangat berbeda dengan apa yang diingat sebagian besar orang mengenai profesi yang diidentikkan dengan seragam tersebut. Seragam dianggap sebagai sesuatu yang mewakili institusi formal, yang merupakan satu mata rantai dalam sistem yang lebih besar. Dengan demikian, ketika membingkai perihal seragam ini dalam perspektif yang kritis, sesungguhnya Jimbo sedang berupaya mengkritisi sistem yang lebih besar pula.

Beberapa aksi yang mencoba mendekonstruksi makna tersebut misalnya Polisi yang biasanya berkait dengan latar belakang jalanan, oleh Jimbo dipindahkan ke pantai, dengan membawa kapak dan bergerak seperti pemain sirkus. Tindakan yang nyaris sama ditunjukkan oleh sosok tentara pada gambar yang lainnya. Sebagaimana seri potret diri, pada seri aksi ini, kepala dan wajah masing-masing sosok masih ditutup dengan sesuatu yang asing. Pada seri polisi atau tentara ini, Jimbo membuat analogi ‘a few good men’, dimana ia melihat dua institusi ini acap kali dianggap sebagai institusi yang penuh kebobrokan. Meskipun demikian, sesungguhnya ada di antara anggota atau elemen dalam institusi tersebut yang masih menjunjung tinggi etika profesi dan integrasi. Tetapi karena sistem yang rusak, maka individu semacam ini pun tidak punya kekuatan untuk melawan. Analogi ini bertentangan dengan seri tukang parkirnya, yang ia buat sebagai seri esai foto. Berkebalikan dengan polisi, profesi tukang parkir justru memanfaatkan kekacauan sistem dan mempermainkannya menjadi sesuatu yang menguntungkan.

Dengan memindahkan latar belakang dari apa yang dianggap lazim, karya-karya Jimbo meninggalkan kesan ‘salah (pe)(t)nempat(an) atau displaced. Dalam fotografi kontemporer, gagasan atas displaced ini acap dikaitkan dengan kecenderungan untuk menggarisbawahi apa yang ganjil dari realitas, atau memunculkan keganjilan yang dimanipulasi untuk mendekonstruksi makna yang sudah mapan. Gagasan atas displaced ini juga membuat foto-foto karya Jimbo, yang bergerak dari foto potret ke fotografi performatif, memberi kesan non-statis. Dimana kita menemukan banyak ruang-ruang antara dan kemungkinan baru dari kenyataan visual yang ditawarkan.

Dengan memindahkan lokasi, tanpa disadari asosiasi makna juga bergeser. Dalam karya-karya Jimbo, pergeseran makna visual dari seragam juga mencerminkan bagaimana asosiasi merupakan sesuatu yang tidak memiliki kebenaran mutlak. Karenanya, atribut dan citra yang diletakkan pada individu yang mengenakan seragam pada dasarnya merupakan citra yang semu, yang lebih merujuk pada kualitas atau performa atas profesi atau kelompok sosialnya ketimbang citra individualitasnya. Tentu saja, karena merupakan bagian dari institusi sosial, atribut-atribut semacam ini dengan mudah bergeser maknanya.
Pada rangkaian akhir karya-karyanya, Jimbo menciptakan instalasi yang merujuk pada sesuatu yang khas ditemukan di Yogyakarta. Lepas dari soal seragam sebagai simbol visual, di Yogyakarta Jimbo mengamati cermin kendaraan (spion) sebagai salah satu komoditas yang penting di industri ‘jalanan’ Yogyakarta. Jimbo membawa satu instalasi ini sebagai salah satu bagian dari karyanya, yang tidak secara langsung berhubungan dengan isu tentang seragam, tetapi memberi kita sentilan ingatan tentang ‘cara melihat’. Sebagai kota dimana motor menjadi kendaraan utama, memang di sepanjang jalanan kita menemukan kios yang menjual beragam spion ini dengan mudah. Bagi Jimbo sendiri, spion ini mengingatkannya untuk selalu melihat ke belakang, mempercayai representasi dari ilusi visual. Pada saat yang sama, dengan fungsi yang sangat penting, spion sering ditempatkan hanya sebagai peralatan tambahan (asesoris) yang kurang vital. Jimbo ingin bermain-main dengan cara kita ‘melihat ke belakang’.

Menariknya, instalasi yang diberi judul ‘Army of Me’ ini seperti merangkum semua seri seragam yang telah dikerjakan Jimbo selama dua tahun terakhir ini. Dalam 100 spion yang ditampilkan, Jimbo meletakkan foto 100 yang ia temui di ruang publik seperti stasiun, kampus atau jalanan, yang ia tawari untuk difoto dengan menggunakan seragam militer dan senjata mainan. Pernyataan Jimbo, ‘Aku ingin menunjukkan bahwa sekarang ini menjad sedemikian mudah bagi setiap orang untuk membangun pasukannya sendiri.’ Masing-masing orang itu diperlihatkan mengendarai motornya sendiri, dengan gaya yang berbeda-beda, menunjukkan personalitas dan ciri individunya, meskipun mengenakan pakaian yang serupa.

Selama proses mengumpulkan seratus orang ini, Jimbo sering ditolak oleh orang yang ia tawari karena ada kekhawatiran bahwa mereka akan dirugikan karena projek semacam ini. Dalam pandangan saya, masih ada ketakutan di kalangan masyarakat untuk mempermainkan seragam militer karena anggapan yang sakral atas seragam militer sebagai bagian dari simbol negara. Ini menunjukkan bahwa memori kolektif tentang simbol kenegaraan masih dibayang-bayangi oleh sistem represif yang diterapkan oleh rezim di masa lalu.

Jim Allen Abel lulus dari pendidikan fotografi di Fakultas Seni Media Rekam Institut Seni Indonesia, Yogyakarta. Ia aktif pada kelompok fotografi Mes 56 dan menjalankan salah satu program mereka, Kantor Berita Mes 56 yang berfokus pada perluasan jaringan informasi dan pengetahuan fotografi kontemporer yang terutama menyajikan wacana-wacana terbaru pada kajian dan praktik fotografi untuk didiskusikan bersama. Projek seragam ini merupakan salah satu projek individualnya yang berangkat dari visi kelompok untuk melihat fotografi lebih dari sekadar representasi realitas melainkan sebuah upaya untuk bermain, memanipulasi dan mempertanyakan terus menerus gagasan tentang realitas visual itu sendiri. Fotografi menjadi sebuah perangkat untuk melihat praktik hidup sehari-hari dalam kerangka yang lebih kritis dan analisis.

Jim Allen Abel sempat menjalani program residensi selama dua bulan di Korea, dimana ia terlibat dalam sebuah projek yang ‘memaksa’-nya terlibat dalam kerja yang lebih interaktif dengan audiens yang lebih umum. Ia mempresentasikan gagasan tentang museum yang sehari-hari, dimana ia mengundang warga di sekitar tempat ia residensi untuk membagi foto-foto kenangan personalnya untuk dipamerkan sebagai bagian dari museum ini. Projek ini membawa kemungkinan yang lebih luas bagi Jimbo untuk terlibat dalam projek fotografi yang berbasis komunitas di masa depan. Pada saat yang sama, berada di Korea Jimbo dapat melihat bagaimana perkembangan seni rupa kontemporer di Korea, yang sekarang ini merupakan salah satu pemain utama di Asia. Menyaksikan perkembangan dan persilangan relasi antara seni rupa dan fotografi tampaknya memberikan inspirasi yang produktif bagi proses berkesenian Jimbo.

Meskipun belum berkembang sebagai projek seni interaktif, tetapi projek seragam ini menunjukkan kemauan untuk bekerja dan menjaga gagasan dalam waktu yang cukup lama, serta mencermati kemungkinan perkembangannya dari waktu ke waktu. Jimbo menunjukkan semangat untuk menggunakan fotografi sebagai ruang belajar mengamati fenomena sosial masyarakat dan merepresentasikannya dalam gagasan estetika yang imajinatif.

Alia Swastika

Concrete Euphoria & Conveyance by Mintio interviewed by Dito Yuwono.

What makes you interested in photography?

I think my relationship with photography has gone beyond being an interest. It is the feeling I get when I wake up every morning and the only thing I want to do is to make images. I’m clueless in describing something that has always been part of my being.

It seems to me that you are interested in city light and tend to make it your object of photography, can you please explain me why?

My obsession with urban landscapes came from the desire to document the relentless construction and progress of the many cities in Asia. In this century, Asian cities are undergoing an unprecedented growth in urban activity. Having grown up in Singapore, the lights of cranes, street lamps and glossy architecture sits deeps within my memories and photography has been a tool that I use to cope with the constant change in our landscape.

Your works, “Concrete Euphoria” and “conveyance” looks very appealing and unique, can you please explain me the working process?

These two series were shot with a large format camera, on 4×5 transparencies. Each image is created entirely in camera, with multiple and extended exposures lasting from 20 mins to an hour each. In creating kaleidoscope-like multiple exposures, the camera takes a step to render familiar places as fantastical and sublime, so that the city may be seen with new eyes.

So, you don’t use digital process in your works, do you have a certain reason why? and what do you want to achieve through that?

When a photographer commits his/her life to a particular process, the act making images evolves into a kind of philosophy and discipline. Shaping that discipline to the uniqueness of each photographer’s personality is what defines him/her. For my practice, I feel that keeping to the very traditional methods like using film and with that, creating images that are contemporary is that defines me.

What would you like to say through your works?

I think I am more interested in hearing what people have to say in viewing my works.

What’s inspires you?

Everyday-people who work hard and believe, to the fullest, in their own vision of the world.

How does Singapore affect your work of arts?

Singapore being my home, carries a lot of attachments that are personal to me. That probably has, on a subconscious level, affected the way I make work. Yet I hope that one day, in return, my work will affect Singapore in it’s every positive way possible.

Thank you very much for your time, any last words?

Thank you very much for this interview too.

conveyance

[Show as slideshow]

[View with PicLens]

Apa yang membuat anda tertarik dengan fotografi?

Saya pikir hubungan saya dengan fotografi telah melampaui apa yang dimaksudkan dengan minat atau ketertarikan saja. Ini adalah dorongan perasaan yang kudapatkan, ketika saya bangun setiap pagi dan satu-satunya yang ingin kulakukan adalah membuat gambar. Saya agak sedikit kesulitan dalam menggambarkan sesuatu yang selalu menjadi bagian dari keberadaan diriku.

Bagi saya bahwa sepertinya anda tertarik dengan cahaya kota dan cenderung membuatnya sebagai objek fotografi anda. Tolong dijelaskan kenapa?

Obsesi saya dengan lanskap perkotaan berasal dari keinginan untuk mendokumentasikan pembangunan tanpa henti dan perkembangan banyak kota di Asia. Pada abad ini, kota-kota Asia mengalami pertumbuhan yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam kegiatan perkotaan. Setelah tumbuh besar di kota Singapura. Lampu-lampu crane, lampu-lampu jalanan dan kilauan arsitektur menjadi sesuatu yang kuat didalam memoriku dan fotografi telah menjadi alat yang saya gunakan untuk mengatasi perubahan konstan dalam lanskap kami.

Kedua karya anda “concrete Euphoria’ dan “conveyance” terlihat sangat menarik dan unik. Bisa anda ceritakan bagaimana proses kerjanya?

Dalam seri karyaku ini aku menggunakan kamera analog format besar, menggunakan film transparansi 4×5. Setiap gambar dibuat seluruhnya di kamera, dengan teknik multiple eksposure dan eksposure yang cukup lama, kira-kira 20 menit untuk setiap layer dan dengan total durasi satu jam untuk setiap karya. Dalam menciptakan kaleidoskop seperti multiple exposure, kamera mengambil peran untuk menjadikan tempat-tempat yang akrab dan lazim menjadi sesuatu yang fantastis dan agung, sehingga kota bisa dilihat menjadi sesuatu yang baru.

Jadi, anda tidak menggunakan proses digital dalam karya anda, apakah anda punya alasan tertentu? kenapa? dan apa yang ingin anda capai melalui proses ini?

Saat seorang fotografer melakukan komitmen hidupnya untuk suatu proses tertentu, tindakan membuat gambar berevolusi menjadi semacam filsafat dan disiplin. Disiplin itu membentuk kepribadian yang unik masing-masing fotografer, kemudian menjadikan seperti apa dirinya ingin di definisikan. Untuk my practice, saya merasa bahwa menjaga, dengan metode yang sangat tradisional seperti menggunakan film, kemudian dengan cara ini menciptakan gambar yang kontemporer adalah yang mendefinisikan saya.

Apa yang ingin anda katakan lewat karya-karya anda?

Saya pikir saya lebih tertarik untuk mendengarkan apa yang dikatakan orang saat melihat karya saya.

Apa atau siapa yang menginspirasi anda?

Orang yang bekerja keras setiap hari dan percaya dengan penuh ke dalam visi mereka sendiri, tentang dunia.

Bagaimana singapura mempengaruhi pekerjaan atau karya anda ?

Singapura rumahku, membawa banyak lampiran yang bersifat pribadi kepada saya. Yang mungkin telah, pada tingkat bawah sadar, mempengaruhi cara saya membuat karya. Namun harapanku bahwa suatu hari, sebagai imbalan, dari pekerjaan saya, akan mempengaruhi Singapura di dalamnya segala hal yang positif, mungkin.

Terima kasih untuk waktumu, ada lagi yang ingin disampaikan?

Terima kasih banyak untuk wawancara ini.

http://www.mintio.sg/

[Show as slideshow]

[View with PicLens]

Dalam seri foto ini saya mencoba untuk menelaah kembali konsep atau batasan-batasan tentang natural vs. buatan, yang asli dan tiruan; sesuatu yang selama ini kita anggap sebagai “realitas”.  Gambar(an)-gambar(an) klise, stereotype, sekaligus (terkadang) kitsch tentang alam beserta segala keindahannya. Mural pemandangan saat matahari terbenam, gambar sepasang burung yang sedang terbang di atas gunung, dan lain sebagainya.
Anggaplah saya hanya mencuri, meng-crop bagian atau detil tertentu, serta mencoba untuk merepresentasikan ulang berbagai imaji atau citraan-citraan alam yang saya temui. Dengan menjuktaposisikan berbagai citraan tersebut dengan apa yang ada di sekelilingnya, mungkin kita bisa kembali mempertanyakan ide, konsep atau batasan-batasan paling mendasar dari apa yang kita sebut sebagai “sesuatu yang riil” atau realitas itu sendiri.

Statement

This photo series tries to explore the concept and boundaries of natural vs. imitation, real and artificial; an attempt to shed light on the idea of reality. I shot various stereotype, cliché, and (sometime) kitsch images about the nature with all of its beauty. Mural of the scenery at sunset, depictions of a couple of birds fly on the mountain, etc.

You can just assume that I only stole, cropped certain parts or detail, and then tried to represent varieties of naturalistic images that I found. By directly juxtaposed them in stark contrast against their real environments, we can start to question our pre-conceived ideas of reality and the blurring of the realities that can occur in the most mundane environments.

http://www.statusavailable.blogspot.com/

Like Everyday Series by Shadi Ghadirian

Challenging the international preconceptions of women’s roles within an Islamic state, Tehran-based artist Shadi Ghadirian’s photographs draw from her own experiences as a modern woman living within the ancient codes of Shariah law. Her images describe a positive and holistic female identity, humorously taking issue with the traditional roles by which women – both in the Middle East and universally – have been defined.

Ghadirian uses an ordinary kitchen utensil as a readymade pun. Through her simple recontextualisation of a cleaver, she develops a fictional character of hilarious proportions as the old adage of ‘hatchet face’ comes to life as a one eyed shrew. Branded with the knife company’s label – Shogun – she’s not a woman to be reckoned with.

Through her staged photographs, Ghadirian’s everyday objects become elevated from anonymity to form a group of distinctive portraits. Humorously drawing upon the humanistic forms of each item, common goods resonate with suggestive narratives, ironically exaggerating misogynist typecasts. In this work a colander adeptly represents a woman who’s all mouth: a neighbourhood gossip conceived as a human sieve, endlessly broadcasting like a loud speaker.
A shrouded broom huddles with timid demureness, her form most associated with ‘doormat’; beneath her veil, however, the broom handle stands in for a sturdy backbone. With her countenance made up of a straw besom, her expression appears wizened and worn, indicating time honoured knowledge and the tenacity and temper of a charwoman.

Her Like Everyday Series was created from the plethora of domestic gifts she received after her wedding – items completely foreign to a young professional. Using these objects – such as irons and frying pans – as masks to cover the faces of her veiled sitters, Ghadirian’s photos ironically portray a one-dimensional interpretation of housewives, absurdly reducing their identities to cooks and cleaners.

The title of Ghadirian’s Like Everyday Series refers both to the materials she uses in her photos and the derogatory social perceptions that women regularly face. Her cast of crudely rendered women cleverly reinvents the sources of negative stereotyping as attributes of empowerment. A grater-faced wife, the dreaded prototype of mother-in-law jokes everywhere, radiates a steely and abrasive determination. (ist)

http://shadighadirian.com/

Corregan won the prestigious photography prize at the Hyères Festival de International de Mode & Photographie with this series of photos. The exhibition features seven portraits of stuffed birds shown from behind, transforming them into sculptural objects of shape and colour.

This series clearly shows Corregan’s fascination with the medium of photography – in particular the fact that she can bend the truth to her own ends, playing with reality through the medium’s apparent objectivity. These birds are actually stuffed, but portrayed from behind we are left in some doubt as to whether or not they are living. Corregan uses this ambiguity, characteristic to photography, to emphasise that the viewer is constantly being manipulated.

The series removes the bird, symbol of flight and freedom, from its natural environment. Time and life seem frozen, allowing the viewer to concentrate upon the creatures’ forms, textures and magnificent colours. Looking in the same direction as the viewer, and reinforced by their central positioning, the subjects look more like characters than birds. Extra images have been added to the series for this exhibition at Foam. Audrey Corregan studied photography at Gobelins, École de L’Image in Paris and later at École de Vevey in Switzerland. From 2005 to 2007 she also studied at Amsterdam’s Rietveld Academy. Corregan has appeared in various group exhibitions including at De Chiellerie, University Gallery Boston (2006) and Quay 1, Vevey in Switzerland (2004). Corregan currently lives and works in New York.  (Foam)

http://www.audreycorregan.com/

In its broadest sense, culture is the sum total of our beliefs, our fears, our behavior patterns, our institutions, our common values, as well as our art, music, and literature.  But the arts often neglect or omit reference to the Cold War.  In fact, most of us who lived through those times have scant visual knowledge of what may be fairly called the dark side of our culture.  We were immersed in the myopic soup of getting an education, finding a job, marrying, and having children.  Meanwhile, far from our thoughts, bright and earnest young men were spending 24-hour duties behind 7-ft thick steel doors.  There they drilled constantly the procedures to launch missiles with a 30-minute trip to the Soviet Union.  The nuclear warhead on the Titan II missile shown here packed nearly three times the explosive power of all the bombs dropped by the Allies in WWII.  And there were 54 of these missiles on alert for 25 years.

Most of us remember periods in our lives most vividly in terms of the popular music of the time. This project depicts some of the objects from the dark side of our culture during the Cold War and links them with popular music of the era.  As surreal as the images are by themselves, their juxtaposition with the music magnifies the dreamlike quality of what was really at stake and how little the existence of these doomsday machines seemed to touch our lives.  By the way, bright and earnest young men (and now women) still pull 24-hour duty in launch-control bunkers every day.

http://www.martin-miller.us

Tree
photographs by  Myoung Ho Lee

Myoung Ho Lee, a young artist from South Korea, has produced an elaborate series of photographs that pose some unusual questions about representation, reality, art, environment and seeing.
Simple in concept, complex in execution, he makes us look at a tree in its natural surroundings, but separates the tree artificially from nature by presenting it on an immense white ground, as one would see a painting or photograph on a billboard.

The work demands thoughtful analysis.
Sang Yong Shim (Art Critic, and Professor at Dongduk Women’s University), has written a long intellectual essay about this work. Translation of these dense ideas is difficult. So, what follows is a shortened and very simplified version of the long essay:

Physical Isolation and its Visual Confirmation
Myoung Ho Lee separates subjects from their original circumstances to derange the difference between subject and image. His work reveals nature by twists and turns, a little fabrication and optical illusion.
Myoung Ho Lee enacts his works as ‘a series of discourse on deconstruction on the photography-act’.
His works are largely composed by following four procedures:
1. Selection of The Subject
2. Separation of The Subject (meta-subject)
3. Photographing
4. Confirmation of The Separation
First of all, Look at the procedure (2), separating the subject from its environmental condition artificially. By setting a big white fabric vertically for playing a square surrounding role behind the chosen subject (with significant physical force), he makes the subject appear neutral from its original context. The object becomes ‘separated object’, ‘ambiguous subject’ and ‘meta-subject’.
The challenge of ‘Photography-Act’ is deep. Because ‘Photography-Act’ is not a real subject but a decontextualized and isolated variant from the subject, and is a real subject and nonsubject simultaneously.  (lens culture review).

Beyond Coca-Cola.

The starting point of this project was in the mid of 2006, while I was preparing my first solo exhibition at Ruang MES 56. I was deeply interested in the villagers who were passing by the well-established icon and typography. I obtained a photographic experience at that moment; an interesting and superb situation and occurrence to be recorded. Perhaps, similar experience could happen to other documentary photographers. I was attempting to record every single possibility that might happen in front of the Coca Cola stall. The reason is, because Coca Cola, in my opinion, is an icon of cosmopolitan, global and urban life, while a village is agriculturist along with any of its appliances. This collision is the one that interests me; global—local, urban—agricultural. The project is continuing by making a comparison within a different situation: Coca Cola and city area. The elements of the subjects are also varied, in between city’s activities with its heavy traffic; Coca Cola has never changed…Coca Cola stays Coca Cola, isn’t globalism amazing?

The heart of photography is documentation, how it records people, places, and events in various situations.

This photography project is a form of documentary photography with a personal, fresh and unique exposition. Even myself has always been and will be curious and I will keep on capturing Coca Cola in many more different places. In Jakarta, Surabaya, Makasar, Medan, Bandung, Tokyo, New York, Timor Leste, even in Palestina…who knows?

Edwin Roseno.

http://jpgmag.com/people/Dollyroseno

Beyond Coca-Cola.

Awal proyek ini pada pertengahan 2006, ketika saya pada waktu itu sedang mempersiapkan pameran tunggal pertama saya di Ruang Mes 56. Saya tertarik dengan lalu lalang orang orang desa di depan ikon dan Typografi yang sudah sangat mapan itu.
Saat itu saya mendapatkan pengalaman fotografis yaitu situasi dan peristiwa yang menarik dan hebat untuk saya rekam. Mungkin hal itu juga akan dialami oleh fotografer dokumenter lainnya. Saya mencoba merekam segala bentuk kemungkinan yang terjadi didepan warung coca cola itu. Karena aku pikir Coca cola dianggap sebagai ikon cosmopolitan,globalisme dan urban, sedangkan desa adalah agraris dengan dengan bermacam pirantinya. Tabrakan itulah yang menarik bagi saya, global dan lokal…agraris dan kota.
Proyek ini terus berlanjut dengan membandingkan dalam situasi yang berbeda ,Coca cola dan area kota. Elemen elemen subyek pun  beraneka ragam, dalam akifitas kota dengan berbagai lalu lalangnya dan Coca colanya yang tidak pernah berubah…coca cola tetaplah coca cola, jadi betapa hebat globalisasi itu.
Jantung Fotografi adalah pendokumentasian, bagaimana fotografi merekam orang, tempat dan kejadian dengan berbagai suasana.
Proyek fotografi ini adalah bentuk fotografi dokumenter dengan pemaparan yang personal, baru dan unik. Saya sendiripun selalu ingin tahu dan akan terus memotret situasi Coca cola di berbagai tempat. Situasi di Jakarta, Surabaya, Makasar, Medan, Bandung, Tokyo, New York, di Ibukota Timor Leste bahkan di Palestina…siapa tahu???

Edwin Roseno.

http://jpgmag.com/people/Dollyroseno

Paris based photographer Denis Darzacq recently completed a new series of photographs entitled ‘Hyper’.

The series explores ‘the place of the individual in society’ a common theme in his work. the series may seem surreal and clearly a product of photoshop, however none of the works have been digitally manipulated.

Instead, Darzacq recruited young dancers and sportsmen to pose for the series using empty supermarkets as a backdrop.

http://www.denis-darzacq.com

Jakarta tidak  berpenghuni! semuanya kosongg.

Tak seorangpun berada di sana, ini seperti mimpi saja. kemanakah mereka semuanya pergi??

oo…ternyata mereka pergi ke depok nonton konser  sirkus dan lumba-lumba lewat dvd bajakan yang sangat menghibur masyarakat. murah dan cukup bergengsi.

ber sing along…disana rumahku, dalam kabut biru….ke jakarta ku-kan kembali uuuu..

http://totallynow.blogspot.com/